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Protegido: Código como expresión: poesía visual y arte en la web.

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El cuerpo como interfaz: diseño de narrativas híbridas online.

¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio?

En este taller se explorarán metodologías de investigación artística para la creación de narrativas inmersivas en múltiples plataformas y sus formas de documentación y difusión online. ¿Qué implica “estar online”? ¿Cómo se sostiene la infraestructura global de comunicaciones y cómo podemos apropiarnos críticamente de sus posibilidades narrativas? ¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio? ¿Qué interfaces permiten trasladar la experiencia estética al ciberespacio? ¿Qué nuevos mapas emergen de nuestra participación en estos entornos? ¿Cómo podemos reimaginar y reinventar las posibilidades expresivas del ciberespacio considerando la situación de emergencia global que nos toca enfrentar?

Pablo Martínez-Zárate. Artista e investigador mexicano cuyo trabajo explora cruces entre entre memoria, cuerpo y territorio desde la práctica documental y experimental en medios múltiples. Su obra abarca narrativas web, instalaciones audiovisuales, películas, libros, series fotográficas, prácticas de pedagogía crítica y exploraciones performáticas. En 2016 fundó el Laboratorio Iberoamericano de Documental como académico de tiempo completo del Departamento de Comunicación de la Universidad Iberoamericana, una plataforma de reflexión y producción de arte documental que se ha posicionado en Latinoamérica como creadora de narrativas de vanguardia, con producciones como Forensic Landscapes (2020), Disecciones sobre planos (2019), El cuerpo es un archivo (2018) y El monopolio de la memoria (2018). Actualmente, es coordinador de la Maestría en Cine en la Ibero Ciudad de México y ha sido profesor invitado en universidades como la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Baños, University of Southern California, Emerson College Boston, Zurich University of the Arts, entre otras. Cuenta con una maestría en arte digital por la Universidad de Edimburgo y un Doctorado en Comunicación por la Universidad Iberoamericana CDMX. 

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Des/enredar y tejer ideas sobre narrativas expandidas en el documental audiovisual

¿Qué pauta conecta…?

Taller performativo para des/enredar y tejer ideas sobre narrativas expandidas y transmedia en el documental audiovisual

Para todo trabajo documental hay que recorrer el campo (físico o imaginado), investigar, observar, hurgar. Y luego acomodar los hallazgos, trazar líneas como si fueran constelaciones. La pregunta por las pautas que inter/conectan los principios de la vida es tambien un dispositivo para pensar las narrativas. Revisaremos procesos y metáforas de la investigación de campo, así como algunos ejemplos para llegar a ordenamientos narrativos expandidos, rizomáticos o transmedia. Trabajaremos de manera lúdica y colectiva con hilos y fichas para atravesar la pantalla y colgar las narrativas al aire.


Christiane Burkhard De formación politóloga y cineasta, alemana de origen, tiene más de veinticinco años viviendo en México. Egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica CCC en el 2001, cuenta con una trayectoria multifacética que combina el cine, la escritura y la docencia. En su obra usa los dispositivos del diario, el archivo y la excavación para abordar la memoria intima y social y explorar diferentes formatos narrativos. De su filmografía destacan su ensayo autobiográfico Vuela angelito (2002), La Emperatriz de México (2005) así como su multipremiado largometraje documental Trazando Aleida (2008).  A partir de 2011 incursiona en un proyecto de documental expandido que entrelaza la palabra y la imagen en una narración transmedia  En camino” (2013-15). En el 2018/19 dirige la plataforma transmedia Reconstrucciones de Ambulante A.C – un acervo audiovisual de la reconstrucción social del hábitat de las comunidades y organizaciones afectadas por los sismos del 2017. Ha ganado diversos premios, entre ellos la beca Media Arts Fellowship de la Fundación Rockefeller (2007), la beca AMBULANTE GUCCI (2007) y ha sido miembro del SISTEMA NACIONAL DE CREADORES. Desde hace más de 15 años y al paralelo a su trayectoria artística, es docente y colaboradora en múltiples espacios nacionales y latinoamericanos de formación audiovisuales, con enfoque de género, comunitario y de pedagogías experimentales.  

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El Metal Perfectísimo


Lectura de poesía con música en hubs.mozilla 

Se leerán poemas con música de TSU en una sala de la plataforma virtual Hubs. 


Horacio Warpola (México, 1982). Autor de varios libros de poesía, los más recientes Carcass -un libro de poemas para Instagram stories (Obelisco Records, 2019) y La incertidumbre cuántica (Editorial Montea, 2019). Ha aparecido en las antologías Todo pende de una transparencia -Muestra de poesía mexicana reciente (Vallejo & Co., Perú), Guasap -15 poetas mexicanos súper actuales (La Liga Ediciones, Chile), El autor es usuario. Antología panhispánica de escrituras digitales (Letral, España), Relatos de Música y Músicos (Alba Editorial, España), Lines In Land -A Collection of Mexican Poems (Australian Poetry), entre otras. Colabora y trabaja en proyectos de literatura electrónica, arte digital y arte contemporáneo, mantiene en Twitter el bot literario @Poesía_es_bot, un Soundcloud de remixes con poetas hispanoamericanos y es parte del colectivo performático multimedial #SQNX. Ha sido becario del PECDA en trayectoria y jóvenes creadores del FONCA.

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voodoochild/

Voodoochild/ en un proyecto de música cyberpunk formado en 2005 y con actual base en Valdivia, Chile, cuyo único integrante humano es Christian Oyarzún, artista medial y músico que opera como programador de la banda, visualista y bajista.

La configuración [visuales + Text-to-Speech + MIDI + humano + código] ha sido una constante del proyecto. Técnicamente, en sus orígenes voodoochild/ era una plataforma programada en Processing y Arduino. Posteriormente la banda ha tendido hacia prácticas vinculadas al live-coding, incorporando tecnologías como SuperCollider y TidalCycles en sus performances.voodoochild/ ha presentado su obra en diversos contextos locales y latinoamericanos, como es el caso de algorythmicXperience en Transitio MX (2009), SHOUT! en Tsonami Buenos Aires (2012), redemptionSongs en 12BAM Santiago (2014), psy.dr34m5:karmaZqncer en el ICLC2017 (Morelia, MX) y m4LD1Tx5UD4K4 en Lúmen 2018 (Punta Arenas) e ICLC2019 (Madrid, ES).
///////////////////la pieza a presentar se llama:voodoochild/:!fun:4m3:003
30’Live-coding y gráficos audio-reactivos; SuperColiider+TidalCycles+Processing+MIDI+Casio CTK-481+KorgMicroSampler
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URL’s:https://soundcloud.com/imavoodoochildhttps://www.facebook.com/1MAV00D00CH1LD/https://www.youtube.com/user/coyarzun
///////////////////
saludos!atte.,chr();

Christian Oyarzún Roa (Chile, 1979)

Es artista, músico y programador. Forma parte del colectivo Hackería y trabajo como profesor asistente del Departamento de Diseño de la U. de Chile y como docente en el Magíster en Artes Mediales de la misma universidad. Actualmente trabaja en proyectos de gráfica y narrativa cyberpunk, reflexionando cómo en la relación cotidiana que establecemos con las herramientas técnicas encarnamos los esquemas tecno-políticos que dan lugar a nuestra experiencia y consciencia de vida. 

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Luchando por ejercer control autorial en narrativas hipermedia

¿Qué tanto control autorial ejercen los creadores de narrativas digitales?

Desde una perspectiva basada en los estudios de la comunicación, en este taller discutiremos si la intención y el mensaje del comunicador, al expresarse a través de una narrativa interactiva digital, son fielmente entendidos por el receptor. 

Otro material mío, relacionado con el tema, que muestra aspectos de mi lucha por ejercer control sobre el medio digital:http://www.riaeditorial.com/index.php/narrativas-complexas/https://revistas.urosario.edu.co/index.php/disertaciones/article/view/8252

Diego Bonilla (CDMX 1969) es creador de piezas literarias y cinematográficas en hipermedios. Sus trabajos se pueden encontrar en hypermedia.online, modular.film y Bio Electric Dot.

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Nueva crónica para jinetes eléctricxs [desde el viejo net.art, un combo multiapp]

Taller de crónica usando los recursos de la navegación en redes. ¿Cómo contar lo que pasa en el espacio virtual? Técnicas descriptivas desde la literatura, el arte y la psicogeografía, para narrar los tiempos de la nueva anormalidad en linea en la que estamos cada vez más inmersos. En la sesión propondremos un combo-pack para pasearnos por los laberintos electrónicas, basándonos en algunos de las ideas del nert.art de principios del siglo XXI, con el fin de imaginar proyectos basados en aplicaciones disponibles en la red.

César Cortés Vega
Escritor y artista visual. Algunos de sus libros publicados son No tocar. Anotaciones sobre el riesgo posmexicano. (ensayo, Ediciones Periféricas); Calibán no ha muerto. Para una relectura de Roberto Fernández Retamar (ensayo, Colores primarios); Poetas esclavos, máquinas soberanas (ensayo, Centro de Cultura Digital); Tanuki y las ranas (novela, Librosampleados); Abandona Silicia (novela, Amphibia editorial); Espejo-ojepse (noveleta experimental, Editorial Puntodata); Periferias y mentiras. Textos sobre arte, banalidad y cultura (ensayo, Fomento a la cultura Ecatepac); Arx poética (poesía, Editorial Literal); o Reven (XX Premio Interamericano de Poesía Navachiste 2012). Ha presentado obra visual en México, España (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona), Dinamarca (Bienal Metropolys Laboratory), Irlanda (National College of Art and Design/Gallery), Japón (Tsubakihara group, Nagoya Artport) y Ecuador (Centro de Arte Contemporáneo de Quito). Coordina la publicación Cinocéfalo; revista de crítica y literatura (https://cinocefalo.com/). En 2018-19 desarrolló el proyecto curatorial Dossier; encuentros colaborativos apoyado el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (https://www.dossiercolaborativo.com/). Se pueden encontrar enlaces a sus proyectos en http://cesarcortesvega.com.

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Memorias

Electronic Literature + Live Coding

¿Cómo crear espacios poéticos a través de prácticas de live coding?

El taller parte del uso los lenguajes de programación pertenecientes al proyecto Memorias*(https://andamio.in/prod/memorias). Este proyecto explora cómo el habla y la literatura (en su forma escrita) pueden ser usadas como interface para la creación de narrativas sonoras/visuales. El taller mezcla prácticas de live coding —en donde se presenta el código modificado en vivo— con literatura electrónica —en el sentido de que la sintaxis a usar es el resultado de la hibridación de lenguajes naturales y de programación.

El taller no requiere de experiencia previa. Durante el taller se mostrarán las funciones y samples de audio (voz, cello y paetzold) disponibles en tres lenguajes: observar, leer y escribir. Respondiendo a la pregunta

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Memorias es un proyecto artístico de Jessica Rodríguez, una serie de lenguajes de programación para la creación visual y sonora que se pueden acceder a través de la plataforma en línea Estuary(https://estuary.mcmaster.ca/) (desarrollado en McMaster University). Los lenguajes están basados en seis textos cortos autobiográficos, desarrollando seis: escuchar, oir, escribir, leer, ver, y observar. Adicionalmente, los lenguajes fueron creados a partir de tres lenguajes para live coding: Tidal Cycles(https://tidalcycles.org/), Punctual(https://github.com/dktr0/Punctual), y CineCer0(https://github.com/dktr0/estuary/blob/dev/client/src/Estuary/Languages/CineCer0/REFERENCE.md).

Créditos: Vic Wojciechowska (voz en Inglés), Rolando Rodríguez (voz en Español), Iracema de Andrade (cello), Alejandro Brianza (paetzold), David Ogborn y Luis N. Del Angel (orientación técnica).

Este proyecto es parte del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Michoacán (PECDAM’18), en México. Fue desarrollado con la ayuda del Networked Imagination Laboratory [NIL] y SSHRC grant en McMaster University in Hamilton, Canadá. Este proyecto pertenece a la plataforma andamio.in.

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Jessica A. Rodríguez | andamio.in

Investigadora, Artista Medial, Diseñadora. Actualmente estudiando un Doctorado en Comunicaciones, Nuevos Medios y Estudios Culturales en McMaster University. Es co-fundadora de andamio.in, una plataforma a de colaboración para el desarrollo de proyectos de investigación, educación y producción en torno al uso de plataformas digitales para la producción de piezas artísticas que expanden la lectura en a través de otras capas sonoras y visuales. A la par, también se ha involucrado con la programación, hibridizando prácticas de live coding con literatura electrónica a través de distintos lenguajes de programación, así como técnicas de parseo.https://vimeo.com/jessicaarinne

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Tomo II Uncategorized

De la idea al objeto: libros de artista

¿Por qué nos gustan los libros impresos?

Estructura

  1. ¿Qué entendemos por un libro objeto o de artista?
  2. ¿Todos los libros impresos pueden ser libros de artista? Ejemplos de obras
  3. ¿A quién le importa lo que tengo que decir? Cómo conceptualizar tu proyecto
  4. Lo material y lo textual son indivisibles: formas de producción
  5. Preguntas con los participantes (esto depende de si es en vivo o es grabado)


En este taller pensaremos qué convierte a un libro de artista en un objeto plástico y narrativo. A través de la revisión de algunas piezas que abarcan desde los años setenta hasta la producción actual, Vanessa López dará algunas pistas para conceptualizar tu propio proyecto, así como algunas alternativas de producción.


Desde 2016, Vanessa López y Emmanuel García crearon su proyecto editorial La Duplicadora. Armados con un par de duplicadoras digitales Risograph, experimentamos las posibilidades que ofrece este sistema de reproducción. ¿Por qué nos siguen gustando los libros impresos? Es una de las preguntas que seguimos planteándonos cada vez que comenzamos un proyecto nuevo. En este laboratorio editorial, reproducimos y rediseñamos impresos encontrados en los fondos privados de algunas librerías de viejo y editamos obras actuales. Apostamos por la pequeña edición: nos gusta publicar libros que aprovechen las cualidades de este sistema de impresión y ponemos especial cuidado en los acabados. La Duplicadora reproduce cualquier cosa que pueda ser pensada, escrita, diseñada, dibujada, grabada o fotografiada.


Vanessa López García (México, 1991) nació en una familia de libreros de viejo, por eso le gustan los libros y los impresos. Estudió Letras Hispánicas con especialidad en producción editorial. Se dedica a la edición y ha organizado presentaciones de libros, participado en foros editoriales, ferias y exposiciones. Ha colaborado en proyectos para instituciones públicas y privadas y es entusiasta de la autoedición y la edición alternativa. Su producción se enfoca en la recuperación de documentos y libros antiguos para ponerlos en circulación nuevamente. Actualmente es editora en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la UNAM. En 2016 comenzó a realizar sus publicaciones junto con Emmanuel García en su proyecto risográfico La Duplicadora. Formó parte del programa Jóvenes Creadores 2018 del Fonca.

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Dibujos sobre escritura

Onnen en el 2002 comenzó a editar una secuela de libros sin texto inspirado en diferentes ideas sobre dibujos, tales como: ¿cuándo es algo un dibujo?

Uno de estos libros se llama “Drawings on writing” [Dibujos sobre escritura]; De todas las palabras que uno usa en un día, las escritas a mano son las más raras. Escrito con un bolígrafo en un pequeño trozo de papel o tallado con un cuchillo en un árbol. Palabras hechas físicamente. La mayoría de las palabras están hechas con una máquina como una computadora portátil o un teléfono, palabras que nunca has tocado realmente. Uno aprende a hacer las palabras a mano cuando era niño, pero poco después de eso, comienza a usar una máquina. Los años de escritura a mano llegan más o menos a su fin con el primer teclado, y como dibujar se convierte en un acto antiguo. Lo dibuja cuando no puede encontrar una foto o una cámara, y lo escribe a mano cuando no puede encontrar un teclado. Cuando es ilegible para el otro, se convierte en una especie de dibujo. La legibilidad depende de códigos y convenciones, solo para una persona o para miles de millones, como el chino. Este libro es un espacio silencioso donde los signos y las palabras se han detenido. Donde no tienen que actuar por lo que quieren decir.

Dibujos sobre escritura es una colección de dibujos en blanco y negro basados ​​en el concepto de texto e ilegibilidad.

A medida que pasamos nuestros días cada vez más pegados a nuestras computadoras y dispositivos portátiles, introduciendo rápidamente palabras clave en Google, cortando y pegando documentos de Word y enviando mensajes de texto truncados urgentemente, es cada vez más raro escribir cualquier cosa a mano. No es de extrañar que las fuentes escritas a mano estén de moda en el mundo del diseño gráfico. Escribir, como dibujar, se ha convertido en un acto en peligro de extinción. Dibujos sobre escritura, explora la idea de que cuando una nota escrita a mano es ilegible, se convierte en un dibujo,

En el tercer libro de esta serie. El manuscrito puede tomar muchas formas, desde una carta garabateada ilegiblemente hasta iniciales talladas en un árbol con un cuchillo. En este volumen innovador, que se publicó por primera vez en la revista Zing, se incluye una selección católica de los escritos a mano como dibujos. Se incluyen piezas de John Cage, Napoleón Bonaparte, Olav Westphalen, Roland Barthes, Gustave Flaubert y Victor Hugo, entre otros.

Serge Onnen (París 1965) Estudió en Rijks Academie y enseña en Rietveld, también en Amsterdam. Con un amplio repertorio creativo, Onnen es un artista interdisciplinario. En los últimos 20 años, ha integrado diferentes medios en su trabajo, incluyendo animación, papel tapiz, sombras, libros y sonido. Onnen está particularmente interesado en utilizar métodos predigitales para crear imágenes secuenciales. Él siente que las comunicaciones visuales antes del boom digital son simples fascinantes. Tal como el antiguo dispositivo de animación occidental antiguo, el fenacistiscope (inventado en 1829) usando una sola imagen para crear unos efectos animados deslumbrantes.

Uno de los temas principales en su trabajo son los diferentes significados de valor en la sociedad y la economía, que causan confusión y conflictos continuos. Esto se materializa, por ejemplo, en la moneda más pequeña de todas; el centavo Un objeto recurrente en sus proyectos más recientes, como la película Cloacinae (2017) y el libro The Lost Cent (2015). Onnen ha comenzado, después de un período de estudio en China, a incorporar los títeres de sombras tradicionales chinos como una herramienta creativa y un elemento en su arte. Onnen ha exhibido y mostrado sus películas varias veces durante años varias veces en México.