Los talleres breves tienen una duración de 60 minutos con 10 (+-) de descanso. El objetivo primordial es desarrollar participativamente un conocimiento significativo u habilidad sobre un tema en específico durante el taller.
Los tallleres breves se presentán en series (3) . En su conjunto la serie forma un discurso.
El conjunto de series son temporadas o tomos.
En esta época de confinamiento el tiempo que pasamos frente a la pantalla nos obliga a enmarcar una parte de la realidad, una que estamos dispuestas a mostrar. ¿Cómo son nuestros recorridos por los espacios que no mostramos? En este taller emplearemos las herramientas del mapeo narrativo para elaborar una representación de aquello que queda fuera del marco de la pantalla pero forma parte de nuestra intimidad.
Materiales :
Material para escribir y para generar imágenes (digitales y/o análogas).
La Productora de mapeos narrativos está integrada por Cecilia Santillán, Susana Trejo Santoyo y Pilar Morales Lara. Es un proyecto que surgió en 2017 entre los libreros de la Biblioteca José Vasconcelos (en la Ciudad de México); tras una exploración bibliográfica sobre mapas, espacialidad, ciudad, literatura, etcétera, se convirtió en un taller que se impartió en el mismo recinto; más tarde se trasladó a las aulas de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México (San Lorenzo Tezonco), donde adoptó una perspectiva de género y, posteriormente, llegó a La Trampa. Gráfica Contemporánea (en el Centro Histórico), donde amplió su visión y tomó su nombre. La Productora ha presentado los resultados de su labor en el 2o Coloquio de Lenguaje y Género (Facultad de Filosofía y Letras, UNAM); en una lectura y exposición en La Trampa. Gráfica Contemporánea; en las Primeras Jornadas Georges Perec (MUAC, UNAM, 2019); en el Instituto de Educación Media Superior de la Ciudad de México (IEMS), y en la Secretaría de Cultura Federal. Una antología de textos y un cuadernillo con un ejercicio de mapeo se pueden consultar en línea (https://issuu.com/ menumamedia/docs/mapeos_ web_issuu).
¿Como podemos combinar AR, VR y 360 video para co-diseñar instalaciones inmersivas e interactivas?
En este taller-presentación abordan un conjunto de estrategias para diseñar instalaciones inmersivas e interactivas que mezclan Realidad Aumentada, Realidad Virtual y video 360. Con un énfasis en las etapas de empatía, definición, e ideación de la instalación, y una aproximación desde el diseño colaborativo (co-diseño) y crítico, los participantes tendrán la oportunidad de diseñar una nueva instalación. El taller-presentación parte de los aprendizajes obtenidos durante el diseño de Juyeko Humboldt, una experiencia de realidad mixta presentada en el Humboldt Forum de Berlín en 2019. Los participantes no necesitan tener experiencia en programación ni tienen que instalar aplicaciones o software en sus computadores. La parte práctica del taller se realizará con herramientas básicas (computadores o teléfonos móviles conectados a Internet), documentos de texto y bases de datos compartidas en línea, y tiene como objetivo sentar las bases para el prototipado y testeo de la nueva instalación en futuros desarrollos.
Materiales:
Computador, tableta o teléfono móvil con acceso a Internet.
Cuaderno de notas.
Papel y lápiz.
Andrés Lombana-Bermúdez es un investigador, diseñador, y docente que trabaja en la intersección entre jóvenes, ecosistemas de medios, tecnología y educación. El es profesor asistente del departamento de comunicación de la Universidad Javeriana, faculty associate en el Centro Berkman Klein para la Internet y la Sociedad de la Universidad de Harvard, e investigador asociado al Centro ISUR de la Universidad del Rosario. Andrés terminó un PhD en medios de comunicación en la Universidad de Texas-Austin, realizó una maestría en estudios comparados de medios en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) y estudió pregados de Literatura y Ciencia Política en la Universidad de los Andes. Además de colaborar en la realización de proyectos audiovisuales, musicales y de realidad mixta, Andrés es co-director de la iniciativa Clubes de Ciencia Colombia.
¿Cómo hacer generadores de texto o historias interactivas con Aventura.js?
En este taller hablaremos del concepto de literatura bítica o “biteratura“, es decir, literatura hecha por computadores. Discutiremos sus orígenes en la ciencia ficción, sus ejemplos en el mundo real, y las preguntas que nos plantea con respecto a la creatividad, la autoría, el texto en sus formatos tradicionales, y todos los demás pensamientos que se nos ocurran. Luego nos pondremos manos a la obra y, conjuntamente, crearemos nuestra propia obra biteraria: un generador de texto o una historia interactiva.Para crear la obra usaremos Aventura.js, una librería para el lenguaje de programación JavaScript que hice justamente con esa finalidad. Con Aventura.js se pueden crear generadores de texto usando un sistema llamado “Gramática libre de contexto” y se pueden crear historias interactivas en las que las decisiones de sus lectores cambian el curso de los acontecimientos. Incluso, se pueden mezclar las dos cosas: crear historias interactivas con generadores de texto. En el taller decidiremos qué tipo de biteratura queremos hacer: por ejemplo, ¿un generador de poemas, de cuentos, de horóscopos?, ¿una historia detectivesca interactiva, un libro álbum que se bifurca? y trabajaremos colaborativamente en el código. Aunque el taller será relámpago y solo podremos sobrevolar algunas de las posibilidades de la librería Aventura.js, saldremos con los fundamentos básicos para que posteriormente cada participante pueda explorar y realizar sus propias obras biterarias.
Requisitos:
computador con conexión a internet.
cuenta en https://codesandbox.io/. (IDE) Plataforma de código colaborativo que usaremos para que podamos trabajar en el mismo código en conjunto.
Sergio Rodríguez (Colombia) estudió artes plásticas y una maestría en semiótica. Actualmente realiza el doctorado en Comunicación, Lenguajes e Información en la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá, Colombia. Ha investigado y publicado sobre semiótica cognitiva —cómo se produce el significado en nuestras mentes—, biosemiótica —cómo pueden todos los organismos, y no solo los seres humanos, dar sentido—, y semiótica del arte —cómo interpretamos eso que llamamos arte—. También le interesa realizar aplicaciones, programas y explicaciones explorables digitales que sirvan para jugar y crear obras artísticas y literarias con código, o para explorar datos humanísticos digitalmente. La librería Aventura.js para JavaScript, usada en el taller, es un ejemplo de ese interés por mezclar computación y arte. Sergio ha sido profesor universitario de semiótica y humanidades digitales, y es coeditor del blog de la Red Colombiana de Humanidades Digitales.
Cuando quieres poner órden en los documentos en su computadora, seleccionas los documentos y en un click se los ordena de a-z o de z-a. Podrías describir el método que utilizarías cuando lo harías manualmente? Puedes imaginarte cómo un algoritmo procedería?
Para este taller proponemos una exploración de un algoritmo tal cual la practicamos cuando nos reunimos en las sesiones mensuales. El punto de partida es un ‘script‘ que encontramos online. Línea por línea leemos y ejecutamos el código, lo comentamos con palabras del cotidiano. Una vez que entendemos su funcionamiento, cada unx está invitadx a experimentar de manera metafórica con el ‘script’.
Elegimos un algoritmo ‘simple’ de la generación de los años 60 para que la acesibilidad sea máxima. La distancia de Levenshtein, distancia de edición o distancia entre palabras es un algoritmo que opera en los correctores ortográficos. Es el número mínimo de operaciones requeridas para transformar una cadena de caracteres en otra. Una operación puede ser una inserción, eliminación o la sustitución de un carácter. El algoritmo fue una invención del científico ruso Vladimir Levenshtein en 1965.
Los miembros de Algolit han desarrollado una metodología que conduce a la comprensión del código de modelos computacionales existentes, a probar los ‘scripts’, a jugar con la entrada y la salida, a diseccionar el proceso, a explorar los conjuntos de datos, a crear diferentes perspectivas sobre los datos y, por último, a adaptar los ‘scripts’ a sus objetivos. Tres principios prevalecen:
trasladando las técnicas a otro contexto, para el cual no fueron diseñadas.
no intentar de optimizar las técnicas, sino crear interfaces, visualizaciones, comentarios de código, de tal manera que logran expresarse de una forma u otra
elegir el nivel de comprensión, cada modelo se compone como una cebolla. Es posible, por ejemplo, ejecutar un modelo tal cual, centrarse en el arte de la aproximación (estadísticas, fórmulas de álgebra…) o simplemente ejecutar partes de modelos sin usar el código, explorarlas y realizarlas física o metafóricamente.
Ningún participante conoce todas las respuestas a las preguntas. En este tipo de proceso, los iniciados pueden convertirse en principiantes y los principiantes pueden ser iniciados. Al reunir a personas de diferentes niveles, disciplinas y perspectivas en un taller, Algolit, como cualquier grupo de arte digital, abre el campo del aprendizaje y fomenta la colaboración, tanto en el desarrollo de las ideas como en el proceso creativo.
Algolit existe desde 2012 como un proyecto de Constant, una organización en Bruselas para los medios de comunicación y las artes. Desde 2019 somos independientes. Somos artistas, escritores, diseñadores y programadores. Una vez al mes nos reunimos para estudiar y experimentar juntxs. Nuestro trabajo puede ser copiado, estudiado, cambiado y redistribuido bajo la misma licencia libre. Puedes encontrar toda la información en: http://www.algolit.net.
El objetivo principal de Algolit es explorar el punto de vista del contador algorítmico. ¿Qué nuevas formas de narración de historias hacemos posibles en el diálogo con estas agencias maquínicas? Algolit está interesado en hablar a través de los algoritmos, y en mostrar el razonamiento que subyace a uno de los grupos más ocultos de nuestro planeta.
El colectivo Oulipo (https://www.oulipo.net/) es una gran fuente de inspiración para Algolit. Para Oulipo, la creación de reglas se convierte en la condición para generar nuevos textos, o lo que ellos llaman literatura potencial. Algolit entiende la noción de literatura de la manera en que lo hacen Oulipo y muchos otros autores experimentales: incluye toda la producción lingüística, desde el diccionario hasta la Biblia, desde toda la obra de Virginia Woolf hasta todas las versiones de las Condiciones de Servicio publicadas por Google desde su existencia.
Mientras que la vanguardia europea del siglo XX perseguía el objetivo de romper con las convenciones, los miembros de Algolit tratan de hacer visibles las convenciones. Hablamos de las herramientas, las lógicas y las ideologías detrás de las interfaces. También nos fijamos en quién produce las herramientas, quién las implementa y quién crea y accede a las grandes cantidades de datos necesarios para desarrollar las máquinas de predicción. Se podría decir, con un guiño de ojo, que somos colaboradores de esta nueva tribu de híbridos humano-robot.
¿Cual es tu problema personal hoy ? ¿cual es el problema del mundo hoy ?
Buscaremos que los participantes del taller logren un manejo del aspecto sonoro en poesía, una aproximación transmutatoria del problema hacia el poema: desde su concepción, composición, análisis y performance.
A partir de elementos repetitivos singulares de cada participante, trabajaremos sobre la creación de poemas sonoros, individuales y colectivos.
Inventando nuevas formas, a partir de elementos traumáticos ya existentes en el transcurso de la historia singular de cada uno, veremos como el trabajo de exploración pionera va también acompañado de un encuentro con elementos naturales, históricos y prehistóricos de la poesía, especialmente sonora y activa.
Trabajaremos elementos básicos de la elaboración del poema, a partir de una simplificación del exceso de goce que produce la repetición problemática de un componente psíquico. lo abordaremos desde un trabajo vocal y sonoro, desde el juego de retruécanos, asonancias, onomatopeyas, capicúas y calambures: así como explicaremos elementos visuales y alucinatorios que darán movimiento presencia a la obra, a partir del residuo insistente del componente psíquico que se busca transmutar”
Materiales:
lápiz
hojas
micrófono y cámara
parlantes o audífonos
plasticina
Martin Bakero, terapoeta.
A través del soplo, la sílaba, el fonema, el verso, el aliento, crea una nomenclatura entre la imagen acústica y el poema electrónico. Emplea retruécanos, asonancias, métricas invocatorias, busca abolir la distancia entre la palabra y la cosa, lo real y lo imaginario. Su música, una experiencia esencialmente “en vivo”, invita a un trance donde la lectura se transforma en vida al buscar los vasos comunicantes entre poesía y alucinación. Ha perpetrado junto a otros poetas el movimiento “Reévolution Poétique” y ha creado la “poesía pneumátika” basada en la capacidad de dar vida a los objetos a través del soplo poético, la “electropneumática” ocupando objetos electroacústicos basado en lo protoverbal y la “acusmántika” (acousmantike). Esta última dada por la medida entre el “pensamiento sonoro” y la mántica desarrollada en la permutación de la presencia atómica inherente a la letra y al soplo . Ha animado durante años en París el “cabaret pneumátiko”, el “laboratorio de electropoesía acusmántika” y el festival “Festina Lente”: en los que trabaja con artistas, científicos y médiums. Emplea distintos medios y formatos, haciendo asociaciones libres entre la bioelectricidad, la acusmática, el arte genético, la taumaturgia, la mecánica de fluídos, la combinatoria fundamental, la poética del inconsciente, la nomenclatura de cuerdas, la cábala fonética y las superasimetrías de la sintáxis. Explora las fronteras entre el sentido, el sonido, el olfato y la visión gracias a la composición de la voz en dispositivos intermedia, micrófonos, antenas, captores electromagnéticos y varias técnicas de lectoescritura. Trabaja sobre la dialéctica ADN-ARN, las autononomatopéyas, la aceleración de las sílabas en el vacío, las resonancias y singularidades del espacio interior. Desarrollando el Arte de la Terapia (Terapoética), dirige tratamientos psíquicos, encontrando técnicas poéticas al síntoma (sintomarte). Dirige grupos, talleres, seminarios y clases sobre diversos aspectos de la locura y la poesía. Es miembro de LaBoRaToiRe, Motor Nightingale, Buzos Tácticos y pnEUmAtIkOs. Entre sus obras se cuentan: Transpar(i)entes, Terapoética, Vía Láctea, Pneumatika, Viceversa, Fleuves&Flammes, Voie des Voix, Urizen, Philtre, Sintomarte, Acusmancia, Medium Poetry, Carbon 14, Pneutrin@s, entre otras. Es doctor en psicopatología por la universidad de Paris VII y trabaja en hospitales psiquiátricos y grupos clínicos. Desarrolla talleres para Terapoetas. Es miembro del Centro de Investigaciones en Psicoanálisis y Medicina en la Universidad de Paris VII. Es profesor de psicopatología en la Universidad de Paris XIII. A Impartido cursos en las Universidades de Birbeck, Andalucía, Autónoma de México, Universidad Católica, Universidad de Chile y Diego Portales.Ha hecho performances también instalaciones, films, exposiciones y programas de radio en diferentes lugares de Europa, América del Norte, Centro y Sur. Trabaja sobre diferentes soportes y produce asociaciones libres con amigos artistas y científicos. Sus proyectos abarcan los dominios del circo, performance, teatro, cine. Gracias a la puesta en escena de nuevas técnicas de lecto- escritura, puede explorar las fronteras entre el sonido, el sentido, el olfato y la visión. Hace parte de proyectos musicales y poéticos tales cuales Pyramides, Laboratoire, Disautonomía, Motor Nightingale, Buzos Tácticos, pnEUmAtIkOs, The Synchronizers…Su arte se alimenta también mucho de su experiencia en psiquiatría como psicoterapeuta y de sus investigaciones en Astrobiología. Siempre buscando los vasos comunicantes entre la poesía y la realidad, elaboró el concepto de la terapia como un arte. Asi, hizo nacer el concepto de “terapoeta” y la asociación del mismo nombre. Experimenta la poética de la sanación, tomando en cuenta los síntomas de la ciudad. Desarrolla ahora talleres para Terapoetas. Explora lo que él llama Arte Telúrico, en la cual trabaja con sonidos del interior de la tierra gracias a instrumentos electrogeofónicos. Ha expuesto en diversos museos y galerías, actualmente expone piezas sonoras en el Museo Nacional De Bellas Artes en Santiago de Chile y Palais de Tokyo en Paris.
¿Qué nos puede decir el objeto?¿Qué nos intenta decir el objeto?¿Qué es lo que tú quieres que nos diga el objeto?
El paradigma de la videoconferencia parece depender de que permanezcamos estáticos frente a la cámara de nuestra computadora; vemos directamente al lente para fingir que estamos viendo a los ojos de nuestros interlocutores y simular una conversación cara a cara. Todos nos hemos convertido en anfitriones de noticieros que apelan a la confianza de sus televidentes mediante una mirada sostenida, una voz que emana confianza y una señal estable de internet. Balbuceos Guiados propone renunciar a la convención de la cabeza parlante, la voz certera y el cordón umbilical del cable ethernet. Los participantes deberán conectarse a través de un dispositivo móvil, de preferencia montado en un selfie stick y luego de una charla sobre la poesía espontánea (balbuceada) como herramienta de indagación y una demostración performática se les pedirá que activen la cámara trasera de su dispositivo para dejar de vernos la cara y empezar a compartir lo que en realidad hemos estado viendo todo este tiempo. Invitaré a cada participante a darnos una visita guiada a través de su espacio, haciendo por lo menos tres paradas frente a objetos significativos a los cuales deberá interrogar para generar poesía balbuceada.
Para evitar los lugares comunes y las descripciones redundantes la interrogación de cada objeto deberá ser a partir de las siguientes preguntas: 1. ¿Qué nos puede decir el objeto? 2. ¿Qué nos intenta decir el objeto? 3. ¿Qué es lo que tú quieres que nos diga el objeto?
En algún lugar donde estas tres preguntas convergen cada participante encontrará un momento poético que le permita redefinir su espacio como una fuente potencial de exploraciones creativas. Será poesía hablada directamente a un micrófono abierto sin los beneficios de la redacción ni las presiones de la edición. Después del taller cada participante recibirá la grabación del encuentro para que la guarde como registro de cada balbuceo guiado.
Materiales:
Un dispositivo móvil con cámara. Ej. Celular , tablet, laptop
León De la Rosa Carrillo es remixólogo y pedagogo. Doctor en Historia y Educación del Arte por la Universidad de Arizona. Ha investigado el lenguaje de los memes de internet y le apasionan las prácticas creativas que exigen un bajo nivel de pericia, pero a la vez permiten expresiones significativas. Es Profesor-Investigador en el Departamento de Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Sus videos, poemas, piezas digitales, performáticas y pedagógicas han sido exhibidas en Alemania, Francia, España, Estados Unidos, Argentina y México. Ha publicado dos libros de poesía espanglish: soy solo pálabras but wish to be a city (2010) ilustrado por Gui.ra.ga.7 y Ojalá (2013) con Phillip Zimmerman. Recientemente fue el co-curador de Border Tuner | Sintonizador Fronterizo de Rafael Lozano-Hemmer, y fue comisionado por 516 Arts en Albuquerque, NM para escribir e interpretar la colección Haikus of Peril a partir de la exhibición Species in Peril Along the Rio Grande. En febrero del 2020 inauguró su más reciente exhibición individual The Remix Room en el Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México. Su último video, Enamorado de la Nave Alienígena especula sobre el Museo de Arte de Ciudad Juárez y sus origines fuera de este desierto mundo. Reside en San Agustín, D.B. y la frontera lo forjó.
¿Qué oportunidades aporta la creatividad y el medio digital como herramienta y metodología para la colaboración entre artista y comunidad con el objetivo de sanar?
En consecuencia, el objetivo de este taller es compartir proyectos basados en temas personales, sociales o colectivos y buscar herramientas, metodologías creativas y el uso del medio digital para sanarlos.
A los participantes se les pedirá que de antemano se familiaricen con las piezas que María presentará.
Para participar en el taller interactivo necesitarán traer un párrafo en un documento de google sobre un problema colectivo o personal, para compartir el enlace de una manera anónima y trabajar en grupo en maneras de sanarlo.
Materiales:
Familiarizarse con las piezas que María presentará.
Un párrafo en un documento de google sobre un problema colectivo o personal, para compartir el enlace de una manera anónima y trabajar en grupo.
María Mencía es Profesora Asociada y directora del Curso de licenciatura en medios de comunicación en Kingston School of Art, en la Universidad de Kingston, Londres.
Su investigación artística en el área de literatura electrónica (e-lit), arte y poética digital ha formado parte en exposiciones y presentaciones internacionales. Su proyecto actual, financiado por el Consejo Británico de Investigación de Artes y Humanidades (AHRC), da voz a las mujeres víctimas del conflicto armado colombiano y a su participación en la construcción de la memoria histórica. Su anterior proyecto, El Winnipeg: El Poema que cruzó el Atlántico es el resultado de una historia personal enraizada en acontecimientos de la Guerra Civil Española, así como en las secuelas que estos han dejado tanto en la memoria histórica española como en la chilena. Además, es la editora única del volumen #WomenTechLit que reúne a 29 mujeres, de distinta procedencia, que han resultado ser pioneras y emergentes en la creación y el estudio de literatura electrónica.
¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio?
En este taller se explorarán metodologías de investigación artística para la creación de narrativas inmersivas en múltiples plataformas y sus formas de documentación y difusión online. ¿Qué implica “estar online”? ¿Cómo se sostiene la infraestructura global de comunicaciones y cómo podemos apropiarnos críticamente de sus posibilidades narrativas? ¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio? ¿Qué interfaces permiten trasladar la experiencia estética al ciberespacio? ¿Qué nuevos mapas emergen de nuestra participación en estos entornos? ¿Cómo podemos reimaginar y reinventar las posibilidades expresivas del ciberespacio considerando la situación de emergencia global que nos toca enfrentar?
Pablo Martínez-Zárate. Artista e investigador mexicano cuyo trabajo explora cruces entre entre memoria, cuerpo y territorio desde la práctica documental y experimental en medios múltiples. Su obra abarca narrativas web, instalaciones audiovisuales, películas, libros, series fotográficas, prácticas de pedagogía crítica y exploraciones performáticas. En 2016 fundó el Laboratorio Iberoamericano de Documental como académico de tiempo completo del Departamento de Comunicación de la Universidad Iberoamericana, una plataforma de reflexión y producción de arte documental que se ha posicionado en Latinoamérica como creadora de narrativas de vanguardia, con producciones como Forensic Landscapes (2020), Disecciones sobre planos (2019), El cuerpo es un archivo (2018) y El monopolio de la memoria (2018). Actualmente, es coordinador de la Maestría en Cine en la Ibero Ciudad de México y ha sido profesor invitado en universidades como la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Baños, University of Southern California, Emerson College Boston, Zurich University of the Arts, entre otras. Cuenta con una maestría en arte digital por la Universidad de Edimburgo y un Doctorado en Comunicación por la Universidad Iberoamericana CDMX.
Taller performativo para des/enredar y tejer ideas sobre narrativas expandidas y transmedia en el documental audiovisual
Para todo trabajo documental hay que recorrer el campo (físico o imaginado), investigar, observar, hurgar. Y luego acomodar los hallazgos, trazar líneas como si fueran constelaciones. La pregunta por las pautas que inter/conectan los principios de la vida es tambien un dispositivo para pensar las narrativas. Revisaremos procesos y metáforas de la investigación de campo, así como algunos ejemplos para llegar a ordenamientos narrativos expandidos, rizomáticos o transmedia. Trabajaremos de manera lúdica y colectiva con hilos y fichas para atravesar la pantalla y colgar las narrativas al aire.
Christiane Burkhard De formación politóloga y cineasta, alemana de origen, tiene más de veinticinco años viviendo en México. Egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica CCC en el 2001, cuenta con una trayectoria multifacética que combina el cine, la escritura y la docencia. En su obra usa los dispositivos del diario, el archivo y la excavación para abordar la memoria intima y social y explorar diferentes formatos narrativos. De su filmografía destacan su ensayo autobiográfico Vuela angelito (2002), La Emperatriz de México (2005) así como su multipremiado largometraje documental Trazando Aleida (2008). A partir de 2011 incursiona en un proyecto de documental expandido que entrelaza la palabra y la imagen en una narración transmedia En camino” (2013-15). En el 2018/19 dirige la plataforma transmedia Reconstrucciones de Ambulante A.C – un acervo audiovisual de la reconstrucción social del hábitat de las comunidades y organizaciones afectadas por los sismos del 2017.Ha ganado diversos premios, entre ellos la beca Media Arts Fellowship de la Fundación Rockefeller (2007), la beca AMBULANTE GUCCI (2007) y ha sido miembro del SISTEMA NACIONAL DE CREADORES. Desde hace más de 15 años y al paralelo a su trayectoria artística, es docente y colaboradora en múltiples espacios nacionales y latinoamericanos de formación audiovisuales, con enfoque de género, comunitario y de pedagogías experimentales.
¿Cómo organizamos hoy nuestras colecciones de imágenes y objetos?
En este taller abordaremos el proceso de construcción de un archivo, biblioteca y/o museo en el proceso creative de un artista. A través de un proceso de publicación en curso, Martín La Roche nos llevará por la narración de un libro que en algunos momentos toma forma de un libro de libros y en otro se transforma en el catálogo razonado de un institución de arte al interior de un sombrero.
Se pide a cada participante que seleccione un libro de su biblioteca personal y lo tenga durante al taller consigo. Puede ser elegido porque es representativo de toda la biblioteca o ante la imposibilidad de encontrar uno indicado, simplemente elegir uno que le signifique mucho en su búsqueda personal.
Martín La Roche. Nacido en Santiago de Chile (1988). Vive en Ámsterdam, Países Bajos.
Estudió Artes Visuales en la Universidad de Chile en Santiago y en 2015 completó un programa postacadémico en la Jan Van Eyck Academie, Maastricht, Países Bajos. Desde entonces trabaja entre Ámsterdam y Santiago. En 2017 inició el Museo Legítimo, una institución nómade que cuenta con una colección de 116 obras de diferentes artistas las cuales son presentadas en sus 4 edificios (sombreros). También participa de una plataforma de libros de artistas en Ámsterdam llamada Good Neighbour dedicada a hacer arte con palabras.
