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E-POESÍA Taller Breve Tomo III

La distancia de Levenshtein

Cuando quieres poner órden en los documentos en su computadora,
seleccionas los documentos y en un click se los ordena de a-z o de z-a.
Podrías describir el método que utilizarías cuando lo harías manualmente? Puedes imaginarte cómo un algoritmo procedería?

Para este taller proponemos una exploración de un algoritmo tal cual la practicamos cuando nos reunimos en las sesiones mensuales. El punto de partida es un ‘script‘ que encontramos online. Línea por línea leemos y ejecutamos el código, lo comentamos con palabras del cotidiano. Una vez que entendemos su funcionamiento, cada unx está invitadx a experimentar de manera metafórica con el ‘script’. 

Elegimos un algoritmo ‘simple’ de la generación de los años 60 para que la acesibilidad sea máxima. La distancia de Levenshtein, distancia de edición o distancia entre palabras es un algoritmo que opera en los correctores ortográficos. Es el número mínimo de operaciones requeridas para transformar una cadena de caracteres en otra. Una operación puede ser una inserción, eliminación o la sustitución de un carácter. El algoritmo fue una invención del científico ruso Vladimir Levenshtein en 1965. 

Los miembros de Algolit han desarrollado una metodología que conduce a la comprensión del código de modelos computacionales existentes, a probar los ‘scripts’, a jugar con la entrada y la salida, a diseccionar el proceso, a explorar los conjuntos de datos, a crear diferentes perspectivas sobre los datos y, por último, a adaptar los ‘scripts’ a sus objetivos. Tres principios prevalecen:

  • trasladando las técnicas a otro contexto, para el cual no fueron diseñadas.
  • no intentar de optimizar las técnicas, sino crear interfaces, visualizaciones, comentarios de código, de tal manera que logran expresarse de una forma u otra
  • elegir el nivel de comprensión, cada modelo se compone como una cebolla. Es posible, por ejemplo, ejecutar un modelo tal cual, centrarse en el arte de la aproximación (estadísticas, fórmulas de álgebra…) o simplemente ejecutar partes de modelos sin usar el código, explorarlas y realizarlas física o metafóricamente.

Ningún participante conoce todas las respuestas a las preguntas. En este tipo de proceso, los iniciados pueden convertirse en principiantes y los principiantes pueden ser iniciados. Al reunir a personas de diferentes niveles, disciplinas y perspectivas en un taller, Algolit, como cualquier grupo de arte digital, abre el campo del aprendizaje y fomenta la colaboración, tanto en el desarrollo de las ideas como en el proceso creativo.


Algolit existe desde 2012 como un proyecto de Constant, una organización en Bruselas para los medios de comunicación y las artes. Desde 2019 somos independientes. Somos artistas, escritores, diseñadores y programadores. Una vez al mes nos reunimos para estudiar y experimentar juntxs. Nuestro trabajo puede ser copiado, estudiado, cambiado y redistribuido bajo la misma licencia libre. Puedes encontrar toda la información en: http://www.algolit.net.

El objetivo principal de Algolit es explorar el punto de vista del contador algorítmico. ¿Qué nuevas formas de narración de historias hacemos posibles en el diálogo con estas agencias maquínicas? Algolit está interesado en hablar a través de los algoritmos, y en mostrar el razonamiento que subyace a uno de los grupos más ocultos de nuestro planeta. 

El colectivo Oulipo (https://www.oulipo.net/) es una gran fuente de inspiración para Algolit. Para Oulipo, la creación de reglas se convierte en la condición para generar nuevos textos, o lo que ellos llaman literatura potencial. Algolit entiende la noción de literatura de la manera en que lo hacen Oulipo y muchos otros autores experimentales: incluye toda la producción lingüística, desde el diccionario hasta la Biblia, desde toda la obra de Virginia Woolf hasta todas las versiones de las Condiciones de Servicio publicadas por Google desde su existencia. 

Mientras que la vanguardia europea del siglo XX perseguía el objetivo de romper con las convenciones, los miembros de Algolit tratan de hacer visibles las convenciones. Hablamos de las herramientas, las lógicas y las ideologías detrás de las interfaces. También nos fijamos en quién produce las herramientas, quién las implementa y quién crea y accede a las grandes cantidades de datos necesarios para desarrollar las máquinas de predicción. Se podría decir, con un guiño de ojo, que somos colaboradores de esta nueva tribu de híbridos humano-robot.

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E-POESÍA performance Taller Breve Tomo III

Del problema al poema

¿Cual es tu problema personal hoy ? ¿cual es el problema del mundo hoy ?

Buscaremos que los participantes del taller logren un manejo del aspecto sonoro en poesía, una aproximación transmutatoria del problema hacia el poema: desde su concepción, composición, análisis y performance. 

A partir de elementos repetitivos singulares de cada participante, trabajaremos sobre la creación de poemas sonoros, individuales y colectivos. 

Inventando nuevas formas, a partir de elementos traumáticos ya existentes en el transcurso de la historia singular de cada uno, veremos como el trabajo de exploración pionera va también acompañado de un encuentro con elementos naturales, históricos y prehistóricos de la poesía, especialmente sonora y activa. 

Trabajaremos elementos básicos de la elaboración  del poema,  a partir de una simplificación del exceso de goce que produce la repetición problemática de un componente psíquico.  lo abordaremos desde un trabajo vocal y sonoro, desde el juego de retruécanos, asonancias, onomatopeyas, capicúas y calambures: así como explicaremos elementos visuales y alucinatorios que darán movimiento presencia a la obra, a partir del residuo insistente del componente psíquico que se busca transmutar”

Materiales:

  • lápiz
  • hojas
  • micrófono y cámara 
  • parlantes o audífonos
  • plasticina 

Martin Bakero, terapoeta. 

A través del soplo, la sílaba, el fonema, el verso, el aliento, crea una nomenclatura entre la imagen acústica y el poema electrónico. Emplea retruécanos, asonancias, métricas invocatorias, busca abolir la distancia entre la palabra y la cosa, lo real y lo imaginario. Su música, una experiencia esencialmente “en vivo”, invita a un trance donde la lectura se transforma en vida al buscar los vasos comunicantes entre poesía y alucinación. Ha perpetrado junto a otros poetas el movimiento “Reévolution Poétique” y ha creado la “poesía pneumátika” basada en la capacidad de dar vida a los objetos a través del soplo poético, la “electropneumática” ocupando objetos electroacústicos basado en lo protoverbal y la “acusmántika” (acousmantike). Esta última dada por la medida entre el “pensamiento sonoro” y la mántica desarrollada en la permutación de la presencia atómica inherente a la letra y al soplo . Ha animado durante años en París el “cabaret pneumátiko”, el “laboratorio de electropoesía acusmántika” y el festival “Festina Lente”: en los que trabaja con artistas, científicos y médiums. Emplea distintos medios y formatos, haciendo asociaciones libres entre la bioelectricidad, la acusmática, el arte genético, la taumaturgia, la mecánica de fluídos, la combinatoria fundamental, la poética del inconsciente, la nomenclatura de cuerdas, la cábala fonética y las superasimetrías de la sintáxis. Explora las fronteras entre el sentido, el sonido, el olfato y la visión gracias a la composición de la voz en dispositivos intermedia, micrófonos, antenas, captores electromagnéticos y varias técnicas de lectoescritura. Trabaja sobre la dialéctica ADN-ARN, las autononomatopéyas, la aceleración de las sílabas en el vacío, las resonancias y singularidades del espacio interior. Desarrollando el Arte de la Terapia (Terapoética), dirige tratamientos psíquicos, encontrando técnicas poéticas al síntoma (sintomarte). Dirige grupos, talleres, seminarios y clases sobre diversos aspectos de la locura y la poesía. Es miembro de LaBoRaToiRe, Motor Nightingale, Buzos Tácticos y pnEUmAtIkOs. Entre sus obras se cuentan: Transpar(i)entes, Terapoética, Vía Láctea, Pneumatika, Viceversa, Fleuves&Flammes, Voie des Voix, Urizen, Philtre, Sintomarte, Acusmancia, Medium Poetry, Carbon 14, Pneutrin@s, entre otras. Es doctor en psicopatología por la universidad de Paris VII y trabaja en hospitales psiquiátricos y grupos clínicos. Desarrolla talleres para Terapoetas. Es miembro del Centro de Investigaciones en Psicoanálisis y Medicina en la Universidad de Paris VII. Es profesor de psicopatología en la Universidad de Paris XIII. A Impartido cursos en las Universidades de Birbeck, Andalucía, Autónoma de México, Universidad Católica, Universidad de Chile y Diego Portales.Ha hecho performances también instalaciones, films, exposiciones y programas de radio en diferentes lugares de Europa, América del Norte, Centro y Sur. Trabaja sobre diferentes soportes y produce asociaciones libres con amigos artistas y científicos. Sus proyectos abarcan los dominios del circo, performance, teatro, cine. Gracias a la puesta en escena de nuevas técnicas de lecto- escritura, puede explorar las fronteras entre el sonido, el sentido, el olfato y la visión. Hace parte de proyectos musicales y poéticos tales cuales Pyramides, Laboratoire, Disautonomía, Motor Nightingale, Buzos Tácticos, pnEUmAtIkOs, The Synchronizers…Su arte se alimenta también mucho de su experiencia en psiquiatría como psicoterapeuta y de sus investigaciones en Astrobiología. Siempre buscando los vasos comunicantes entre la poesía y la realidad, elaboró el concepto de la terapia como un arte. Asi, hizo nacer el concepto de “terapoeta” y la asociación del mismo nombre. Experimenta la poética de la sanación, tomando en cuenta los síntomas de la ciudad. Desarrolla ahora talleres para Terapoetas. Explora lo que él llama Arte Telúrico, en la cual trabaja con sonidos del interior de la tierra gracias a instrumentos electrogeofónicos. Ha expuesto en diversos museos y galerías, actualmente expone piezas sonoras en el Museo Nacional De Bellas Artes en Santiago de Chile y Palais de Tokyo en Paris.

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E-POESÍA performance Taller Breve Tomo III

Balbuceos guiados

¿Qué nos puede decir el objeto?¿Qué nos intenta decir el objeto?¿Qué es lo que tú quieres que nos diga el objeto?

El paradigma de la videoconferencia parece depender de que permanezcamos estáticos frente a la cámara de nuestra computadora; vemos directamente al lente para fingir que estamos viendo a los ojos de nuestros interlocutores y simular una conversación cara a cara. Todos nos hemos convertido en anfitriones de noticieros que apelan a la confianza de sus televidentes mediante una mirada sostenida, una voz que emana confianza y una señal estable de internet. Balbuceos Guiados propone renunciar a la convención de la cabeza parlante, la voz certera y el cordón umbilical del cable ethernet. Los participantes deberán conectarse a través de un dispositivo móvil, de preferencia montado en un selfie stick y luego de una charla sobre la poesía espontánea (balbuceada) como herramienta de indagación y una demostración performática se les pedirá que activen la cámara trasera de su dispositivo para dejar de vernos la cara y empezar a compartir lo que en realidad hemos estado viendo todo este tiempo. Invitaré a cada participante a darnos una visita guiada a través de su espacio, haciendo por lo menos tres paradas frente a objetos significativos a los cuales deberá interrogar para generar poesía balbuceada.

Para evitar los lugares comunes y las descripciones redundantes la interrogación de cada objeto deberá ser a partir de las siguientes preguntas: 1. ¿Qué nos puede decir el objeto? 2. ¿Qué nos intenta decir el objeto? 3. ¿Qué es lo que tú quieres que nos diga el objeto?

En algún lugar donde estas tres preguntas convergen cada participante encontrará un momento poético que le permita redefinir su espacio como una fuente potencial de exploraciones creativas. Será poesía hablada directamente a un micrófono abierto sin los beneficios de la redacción ni las presiones de la edición. Después del taller cada participante recibirá la grabación del encuentro para que la guarde como registro de cada balbuceo guiado.

Materiales:

 Un dispositivo móvil con cámara. Ej. Celular , tablet, laptop 


León De la Rosa Carrillo es remixólogo y pedagogo. Doctor en Historia y Educación del Arte por la Universidad de Arizona. Ha investigado el lenguaje de los memes de internet y le apasionan las prácticas creativas que exigen un bajo nivel de pericia, pero a la vez permiten expresiones significativas. Es Profesor-Investigador en el Departamento de Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Sus videos, poemas, piezas digitales, performáticas y pedagógicas han sido exhibidas en Alemania, Francia, España, Estados Unidos, Argentina y México. Ha publicado dos libros de poesía espanglish: soy solo pálabras but wish to be a city (2010) ilustrado por Gui.ra.ga.7 y Ojalá (2013) con Phillip Zimmerman. Recientemente fue el co-curador de Border Tuner | Sintonizador Fronterizo de Rafael Lozano-Hemmer, y fue comisionado por 516 Arts en Albuquerque, NM para escribir e interpretar la colección Haikus of Peril a partir de la exhibición Species in Peril Along the Rio Grande. En febrero del 2020 inauguró su más reciente exhibición individual The Remix Room en el Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México. Su último video, Enamorado de la Nave Alienígena especula sobre el Museo de Arte de Ciudad Juárez y sus origines fuera de este desierto mundo. Reside en San Agustín, D.B. y la frontera lo forjó.

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E-POESÍA Taller Breve Tomo II Tomo III

Prácticas Digitales Creativas: Sanación a través de la comunidad

 ¿Qué oportunidades aporta la creatividad y el medio digital como herramienta y metodología para la colaboración entre artista y comunidad con el objetivo de sanar? 

Este taller se origina en mis dos últimas obras de arte digital El Winnipeg: EL Poema que cruzó el Atlántico y Voces Invisibles: Mujeres Víctimas del Conflicto Colombiano. Ambas han permitido establecer una relación con distintas comunidades y a través de talleres de arte y medios digitales se les ha facilitado a los participantes, posibilidades para sanar a través de la interacción con la comunidad.

En consecuencia, el objetivo de este taller es compartir proyectos basados en temas personales, sociales o colectivos y buscar herramientas, metodologías creativas y el uso del medio digital para sanarlos.

A los participantes se les pedirá que de antemano se familiaricen con las piezas que María presentará.

Para participar en el taller interactivo necesitarán traer un párrafo en un documento de google sobre un problema colectivo o personal, para compartir el enlace de una manera anónima y trabajar en grupo en maneras de sanarlo.

Materiales:


María Mencía es Profesora Asociada y directora del Curso de licenciatura en medios de comunicación en Kingston School of Art, en la Universidad de Kingston, Londres. 

Su investigación artística en el área de literatura electrónica (e-lit), arte y poética digital ha formado parte en exposiciones y presentaciones internacionales. Su proyecto actual, financiado por el Consejo Británico de Investigación de Artes y Humanidades (AHRC), da voz a las mujeres víctimas del conflicto armado colombiano y a su participación en la construcción de la memoria histórica. Su anterior proyecto, El Winnipeg: El Poema que cruzó el Atlántico es el resultado de una historia personal enraizada en acontecimientos de la Guerra Civil Española, así como en las secuelas que estos han dejado tanto en la memoria histórica española como en la chilena. Además, es la editora única del volumen #WomenTechLit que reúne a 29 mujeres, de distinta procedencia, que han resultado ser pioneras y emergentes en la creación y el estudio de literatura electrónica.

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Código como expresión: poesía visual y arte en la web.

¿Cómo es posible expandir nuestro entendimiento y relación con la escritura de algoritmos, cuando nuestro enfoque está en ‘los algoritmos como pensamientos’? y ¿cómo podemos expresarnos creativamente a través de la escritura de código y poesía visual?

Palabras claves : p5.js, Processing, FLOSS, código como expresión, poesía visual, programación conversacional, programación orientada a objetos, funciones, variables, arte en la web.

‘Código como expresión’ es un taller introductorio al arte en la web y a la poesía visual a través del uso de la librería JavaScript ‘p5.js’. Reflexionaremos acerca del concepto ‘programación conversacional’, FLOSS (Free/Libre/Open Source Software) y diversas piezas de escritura, incluyendo algunos párrafos relacionados con literatura electrónica, poesía visual y filosofía de procesos. Durante el taller vamos a explorar activamente ‘p5.js’ de manera que cada asistente dará vida a un poema visual, al final del taller compartiremos los diversos poemas que quedarán exhibidos en la web.

Este taller es un espacio para aprender y explorar activamente diversas maneras de jugar con el texto en la web, así que estudiaremos maneras básicas de crear funciones y objetos en Processing (p5.js). A través de los diversos módulos del taller escribiremos programas ( uno por modulo) que pueden transformar nuestro explorador en un canvas, explorando transversalmente diversas técnicas y enfoques que nos permitirán expresarnos creativamente divirtiéndonos.

Al finalizar el taller cada asistente habrá creado un poema visual con sus propias palabras o a través de técnicas algorítmicas. Los poemas serán desarrollados individualmente, sin embargo las resonancias entre ellos son totalmente bienvenidas. Antes de presentar los poemas, los códigos tendrán que ser enviados al instructor, ya que los mismos serán exhibidos a través de un sitio web al finalizar la serie.


Costo por módulo 45 usd

Costo de total de la serie 135 usd

Pago en una sola exhibición 114.5 usd

50% estudiantes con credencial vigente

Minimo 3 participantes 

Máximo 12 participantes


Modulos:

1. Los algoritmos son pensamientos.

Estudio de arte web y tecnologías de abstracción. Referentes previos y actuales del arte en la web. La siguiente hora la dedicaremos a familiarizarnos con ‘p5.js’, juntos crearemos 3 bocetos que nos servirán como puntos de partida en las exploraciones que llevaremos a cabo. (Programación con funciones / Espacio – tiempo (condicionales) / Creación de bucles ‘for’)

2. Espacio-tiempo

Estudio de programación enfocado en el control de cambios en el tiempo, a través de contadores y módulos; Estudio del concepto de indeterminación y aleatoriedad a través del uso de funciones, principalmente ‘random’ y ‘noise’, La idea es explorar estas posibilidades para la creación de piezas generativas. Revisaremos cómo correr p5.js localmente y también aprenderemos a subir nuestras exploraciones a un sitio web en GitHub.

3. Poéticas al—vuelo

El enfoque de esta sesión estará en la implementación de lo aprendido anteriormente con el objetivo de que cada participante pueda crear un poema visual o poema generativo, sin embargo también es posible crear una pieza que se relacione con lo poético y no necesariamente a través de un poema. Todas las exploraciones serán subidas a un sitio web durante el taller y finalmente haremos una celebración en donde veremos estas exploraciones al ritmo de música algorítmica o programación al—vuelo.


Simbolo

Al finalizar toda la serie realizarmoes una exhibición en línea con las piezas logradas . Haremos de la exhibición un evento social.


Rodrigo Velasco «yecto» explora los movimientos transversales de pensar y sentir, escribiendo ‘algoritmos como pensamientos’, procesos y trayectorias que se desdoblan y que cobran vida a través de frecuencias y vibraciones en el espacio-tiempo. Rodrigo es estudiante del Máster de Diseño, en el programa Diseño y Arte Computacional de «Concordia University». Sus exploraciones a través de talleres, instalaciones y presentaciones audiovisuales han sido compartidas como parte de «Codex_Traversée du silence en Maison de la culture Villeray – Saint-Michel – Parc-Extension», «Live Coding Atelier 2018-2020» en Eastern Bloc, MUTEK Montréal 2018, «Metarythmes» 2017 en OBORO ~ Studio XX, «Libre Graphics Meeting 2018», «live => coding music» en «IMPA Instituto de Matemática Pura e Aplicada» – Río de Janeiro, y /* vivo */ 2014, Simposio Internacional de Música y Código, entre otras.

https://yecto.github.io/

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El cuerpo como interfaz: diseño de narrativas híbridas online.

¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio?

En este taller se explorarán metodologías de investigación artística para la creación de narrativas inmersivas en múltiples plataformas y sus formas de documentación y difusión online. ¿Qué implica “estar online”? ¿Cómo se sostiene la infraestructura global de comunicaciones y cómo podemos apropiarnos críticamente de sus posibilidades narrativas? ¿Cuáles son algunos modos de ocupación estética y narrativa del ciberespacio? ¿Qué interfaces permiten trasladar la experiencia estética al ciberespacio? ¿Qué nuevos mapas emergen de nuestra participación en estos entornos? ¿Cómo podemos reimaginar y reinventar las posibilidades expresivas del ciberespacio considerando la situación de emergencia global que nos toca enfrentar?

Pablo Martínez-Zárate. Artista e investigador mexicano cuyo trabajo explora cruces entre entre memoria, cuerpo y territorio desde la práctica documental y experimental en medios múltiples. Su obra abarca narrativas web, instalaciones audiovisuales, películas, libros, series fotográficas, prácticas de pedagogía crítica y exploraciones performáticas. En 2016 fundó el Laboratorio Iberoamericano de Documental como académico de tiempo completo del Departamento de Comunicación de la Universidad Iberoamericana, una plataforma de reflexión y producción de arte documental que se ha posicionado en Latinoamérica como creadora de narrativas de vanguardia, con producciones como Forensic Landscapes (2020), Disecciones sobre planos (2019), El cuerpo es un archivo (2018) y El monopolio de la memoria (2018). Actualmente, es coordinador de la Maestría en Cine en la Ibero Ciudad de México y ha sido profesor invitado en universidades como la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Baños, University of Southern California, Emerson College Boston, Zurich University of the Arts, entre otras. Cuenta con una maestría en arte digital por la Universidad de Edimburgo y un Doctorado en Comunicación por la Universidad Iberoamericana CDMX. 

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Des/enredar y tejer ideas sobre narrativas expandidas en el documental audiovisual

¿Qué pauta conecta…?

Taller performativo para des/enredar y tejer ideas sobre narrativas expandidas y transmedia en el documental audiovisual

Para todo trabajo documental hay que recorrer el campo (físico o imaginado), investigar, observar, hurgar. Y luego acomodar los hallazgos, trazar líneas como si fueran constelaciones. La pregunta por las pautas que inter/conectan los principios de la vida es tambien un dispositivo para pensar las narrativas. Revisaremos procesos y metáforas de la investigación de campo, así como algunos ejemplos para llegar a ordenamientos narrativos expandidos, rizomáticos o transmedia. Trabajaremos de manera lúdica y colectiva con hilos y fichas para atravesar la pantalla y colgar las narrativas al aire.


Christiane Burkhard De formación politóloga y cineasta, alemana de origen, tiene más de veinticinco años viviendo en México. Egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica CCC en el 2001, cuenta con una trayectoria multifacética que combina el cine, la escritura y la docencia. En su obra usa los dispositivos del diario, el archivo y la excavación para abordar la memoria intima y social y explorar diferentes formatos narrativos. De su filmografía destacan su ensayo autobiográfico Vuela angelito (2002), La Emperatriz de México (2005) así como su multipremiado largometraje documental Trazando Aleida (2008).  A partir de 2011 incursiona en un proyecto de documental expandido que entrelaza la palabra y la imagen en una narración transmedia  En camino” (2013-15). En el 2018/19 dirige la plataforma transmedia Reconstrucciones de Ambulante A.C – un acervo audiovisual de la reconstrucción social del hábitat de las comunidades y organizaciones afectadas por los sismos del 2017. Ha ganado diversos premios, entre ellos la beca Media Arts Fellowship de la Fundación Rockefeller (2007), la beca AMBULANTE GUCCI (2007) y ha sido miembro del SISTEMA NACIONAL DE CREADORES. Desde hace más de 15 años y al paralelo a su trayectoria artística, es docente y colaboradora en múltiples espacios nacionales y latinoamericanos de formación audiovisuales, con enfoque de género, comunitario y de pedagogías experimentales.  

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El Metal Perfectísimo


Lectura de poesía con música en hubs.mozilla 

Se leerán poemas con música de TSU en una sala de la plataforma virtual Hubs. 


Horacio Warpola (México, 1982). Autor de varios libros de poesía, los más recientes Carcass -un libro de poemas para Instagram stories (Obelisco Records, 2019) y La incertidumbre cuántica (Editorial Montea, 2019). Ha aparecido en las antologías Todo pende de una transparencia -Muestra de poesía mexicana reciente (Vallejo & Co., Perú), Guasap -15 poetas mexicanos súper actuales (La Liga Ediciones, Chile), El autor es usuario. Antología panhispánica de escrituras digitales (Letral, España), Relatos de Música y Músicos (Alba Editorial, España), Lines In Land -A Collection of Mexican Poems (Australian Poetry), entre otras. Colabora y trabaja en proyectos de literatura electrónica, arte digital y arte contemporáneo, mantiene en Twitter el bot literario @Poesía_es_bot, un Soundcloud de remixes con poetas hispanoamericanos y es parte del colectivo performático multimedial #SQNX. Ha sido becario del PECDA en trayectoria y jóvenes creadores del FONCA.

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voodoochild/

Voodoochild/ en un proyecto de música cyberpunk formado en 2005 y con actual base en Valdivia, Chile, cuyo único integrante humano es Christian Oyarzún, artista medial y músico que opera como programador de la banda, visualista y bajista.

La configuración [visuales + Text-to-Speech + MIDI + humano + código] ha sido una constante del proyecto. Técnicamente, en sus orígenes voodoochild/ era una plataforma programada en Processing y Arduino. Posteriormente la banda ha tendido hacia prácticas vinculadas al live-coding, incorporando tecnologías como SuperCollider y TidalCycles en sus performances.voodoochild/ ha presentado su obra en diversos contextos locales y latinoamericanos, como es el caso de algorythmicXperience en Transitio MX (2009), SHOUT! en Tsonami Buenos Aires (2012), redemptionSongs en 12BAM Santiago (2014), psy.dr34m5:karmaZqncer en el ICLC2017 (Morelia, MX) y m4LD1Tx5UD4K4 en Lúmen 2018 (Punta Arenas) e ICLC2019 (Madrid, ES).
///////////////////la pieza a presentar se llama:voodoochild/:!fun:4m3:003
30’Live-coding y gráficos audio-reactivos; SuperColiider+TidalCycles+Processing+MIDI+Casio CTK-481+KorgMicroSampler
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URL’s:https://soundcloud.com/imavoodoochildhttps://www.facebook.com/1MAV00D00CH1LD/https://www.youtube.com/user/coyarzun
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saludos!atte.,chr();

Christian Oyarzún Roa (Chile, 1979)

Es artista, músico y programador. Forma parte del colectivo Hackería y trabajo como profesor asistente del Departamento de Diseño de la U. de Chile y como docente en el Magíster en Artes Mediales de la misma universidad. Actualmente trabaja en proyectos de gráfica y narrativa cyberpunk, reflexionando cómo en la relación cotidiana que establecemos con las herramientas técnicas encarnamos los esquemas tecno-políticos que dan lugar a nuestra experiencia y consciencia de vida. 

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Luchando por ejercer control autorial en narrativas hipermedia

¿Qué tanto control autorial ejercen los creadores de narrativas digitales?

Desde una perspectiva basada en los estudios de la comunicación, en este taller discutiremos si la intención y el mensaje del comunicador, al expresarse a través de una narrativa interactiva digital, son fielmente entendidos por el receptor. 

Otro material mío, relacionado con el tema, que muestra aspectos de mi lucha por ejercer control sobre el medio digital:http://www.riaeditorial.com/index.php/narrativas-complexas/https://revistas.urosario.edu.co/index.php/disertaciones/article/view/8252

Diego Bonilla (CDMX 1969) es creador de piezas literarias y cinematográficas en hipermedios. Sus trabajos se pueden encontrar en hypermedia.online, modular.film y Bio Electric Dot.